Mubert Artiste : Jay Glass Dubs

Le style de Dimitris Papadatos, alias Jay Glass Dubs, repose sur une approche historique contrefactuelle du dub, le réduisant à sa forme de base : batterie/basse/voix/effets. Figure majeure de la scène électronique internationale, il a publié une œuvre conséquente sur des labels de musique expérimentale de premier plan tels que Bokeh Versions, The Tapeworm, Anòmia, DFA Records, Ecstatic et Berceuse Heroique. Il a également collaboré à des albums salués par la critique avec Not Waving (sous le nom de Not Glass), Guerilla Toss et la pionnière du trip-hop, Leslie Winer, et a réalisé des remixes pour des artistes comme How To Dress Well, Jabu, Maximum Joy et bien d'autres. Le travail de Dimitris a été présenté dans de nombreuses institutions et festivals internationaux, notamment Berlin Atonal, Meakusma, Documenta 14 et BBK Bilbao.

Le thème principal de sa musique est l'apposition d'éléments disparates qui supposent une réappropriation de méthodologies historiquement appliquées, tout en questionnant les formes qui les rendent possibles. Son œuvre la plus importante reflète des thèmes tels que le droit d'auteur, la spiritualité et l'originalité, et se trouve dans un état de transfiguration constant, fruit de son externalisation.

Qu'avez-vous aimé dans le processus de création musicale avec l'IA ? Quelles parties vous ont paru intéressantes ?

Le processus suivi par l'IA est plutôt absent de mon travail. Certes, je travaille avec des samples et des boucles, mais je n'ai jamais utilisé de méthodes de tracking où tout doit être synchronisé, avec un tempo et une intonation précis. Ces contraintes peuvent influencer mon approche. Je travaille davantage comme un arrangeur que comme un programmeur. Dans mon studio, avec ma seule intervention, les solutions en matière de cohérence sont plus souples que dans la plupart des autres contextes.

Ce qui était intéressant dans ce processus, c'était avant tout le fait que je devais « apprendre » à la machine le son que je souhaitais obtenir, tout en préservant une part d'aléatoire. J'essayais d'anticiper son processus. De mon côté, j'ai également dû repenser entièrement la diffusion et le traitement des effets. N'ayant pas l'impression de pouvoir tout faire, j'ai décidé de maintenir ma présence physique et la dimension spirituelle de mon travail. Ces contraintes m'ont fait comprendre que la contribution de mon intelligence corporelle, « non artificielle », à la sonorité et au devenir de la musique était aussi importante que l'apprentissage de la machine.

Pour mieux comprendre cela, j'ai pensé à un utilisateur potentiel de la musique que je composais pour MubertJ'ai pensé à quelqu'un qui écrit, peut-être aussi qui rappe, et qui utiliserait ces boucles pour répéter. Ou à un couple qui fait l'amour. À quelqu'un qui promène son chien. Ce genre de choses donne au résultat une dimension bien plus cohérente que les chiffres et les systèmes tonaux. La mathématique rituelle du quotidien.

D'une certaine manière, l'IA joue le rôle de curateur, compilant et mixant différents échantillons selon son propre jugement, ce qui crée une collaboration sans l'implication directe des créateurs de ces morceaux. Dès lors, comment imaginez-vous la collaboration en ligne des musiciens à l'avenir ? De quelles manières l'IA peut-elle contribuer à ces collaborations ?

Pour mon travail et ma démarche, l'apport d'une seconde intelligence sur certains points serait sans aucun doute précieux. Je suis convaincu que l'intervention humaine, le travail intellectuel, restera toujours essentiel à l'évolution de la musique générative. Je suis également fasciné par les innombrables possibilités qu'elle offre. J'imagine des collaborations possibles et un dépassement total des frontières.

D'un autre côté, et pour de nombreuses raisons, cela pourrait ne pas être pragmatique. Personnellement, ce processus de création ne m'est pas étranger. J'ai participé à de nombreuses collaborations, toutes dématérialisées. L'espace commun de communication et la présence physique sont créés ailleurs.

Des subjectivités s'entremêlent dans l'espace où se déploie la musique. Ces subjectivités partagent une expérience commune et dispersée, elles sont en quelque sorte « dirigées vers un but commun ». Cela me rappelle le fonctionnement d'un algorithme, qui combine des éléments dispersés en un nouvel ensemble. L'apport de l'IA me semble déjà incontournable puisque nous utilisons tous des stations de travail audio numériques (DAW) pour composer, enregistrer, produire et masteriser notre musique.

L'auditeur est-il considéré comme co-créateur s'il se contente de modifier les compositions selon ses goûts ? La plateforme devrait-elle proposer davantage d'outils pour permettre au public d'explorer et de transformer les idées ? À quoi pourraient ressembler ces outils ?

Je pense qu'un logiciel aussi étroitement lié à l'ambiance que celui-ci est forcément amené à s'adapter aux variations créatives de l'utilisateur. Des outils de modification du tempo et de la hauteur seraient vraiment les bienvenus. J'aimerais également y trouver quelques effets basiques.

De manière générale, quels autres outils pourraient être créés pour permettre aux auditeurs de réduire la distance entre l'artiste et son public ? Devrait-on la réduire ? De quelles manières souhaiteriez-vous personnellement interagir avec vos auditeurs sur la plateforme ?

Bien des années avant qu'on me demande de contribuer à MubertJ'avais cette idée d'un « déodorant sonore ». Une œuvre musicale en constante évolution, à laquelle chacun pourrait contribuer, et qui pourrait être utilisée dans les espaces commerciaux comme un diffuseur de parfum. Ce serait peut-être une bonne idée de lancer un projet comme celui-ci avec certains utilisateurs que cela intéresserait ! Je ne comprends pas l'obstacle dont vous parlez. Je suis un auditeur au même titre que n'importe qui d'autre qui vient à mon concert ou achète mes disques. Nous, les artistes, devons simplement nous rappeler que nous créons toujours, ne serait-ce que pour une seule personne.