Mubert Künstler: Jay Glass Dubs

Dimitris Papadatos alias Jay Glass Dubs basiert auf einem kontrafaktischen historischen Ansatz, der Dub-Musik auf ihre grundlegende Form aus Drum, Bass, Gesang und Effekten reduziert. Als eine der prägenden Stimmen der internationalen Elektronikszene hat er zahlreiche Werke auf renommierten Labels für experimentelle Musik wie Bokeh Versions, The Tapeworm, Anòmia, DFA Records, Ecstatic und Berceuse Heroique veröffentlicht. Er arbeitete außerdem mit gefeierten Künstlern wie Not Waving (als Not Glass), Guerilla Toss und der „Godmother of Trip-Hop“, Leslie Winer, zusammen und veröffentlichte Remixe für Künstler wie How To Dress Well, Jabu, Maximum Joy und viele mehr. Dimitris' Arbeiten wurden in verschiedenen internationalen Institutionen und auf Festivals präsentiert, darunter Berlin Atonal, das Meakusma Festival, die Documenta 14 und das BBK Bilbao.

Das Hauptthema seiner Musik ist die Gegenüberstellung disparater Elemente, die eine Wiederaneignung historisch angewandter Methoden voraussetzen und gleichzeitig deren Anwendung hinterfragen. Sein umfangreichstes Werk reflektiert Themen wie Urheberrecht, Spiritualität und Originalität und unterliegt einem ständigen Wandel im Kontext der Auslagerung von Ideen.

Was hat Ihnen am Prozess der Musikproduktion mit KI gefallen? Welche Aspekte waren interessant?

Der gesamte Prozess, dem KI folgt, findet in meiner Arbeit kaum Anwendung. Zwar arbeite ich mit Samples und Loops, aber ich habe nie Tracking-Methoden verwendet, bei denen alles synchronisiert sein und ein bestimmtes Tempo und eine bestimmte Intonation aufweisen muss, um zu funktionieren. Solche Einschränkungen können die Arbeit in eine andere Richtung lenken. Ich arbeite eher aus der Perspektive eines Arrangeurs als aus der eines Programmierers. In meinem Studio, wo ich allein eingreife, sind die Lösungen für einen stimmigen Gesamtklang flexibler als anderswo.

Das Interessante an diesem Prozess war vor allem, dass ich der Maschine quasi beibringen musste, wie sie ungefähr klingen sollte, aber gleichzeitig einen gewissen Zufallscharakter bewahren musste. Ich versuchte, ihren Prozess im Vorfeld einzuschränken. Auch meine Herangehensweise an Diffusion und Effektbearbeitung war komplett neu. Ich hatte nicht das Gefühl, alles umsetzen zu können, was ich wollte, und beschloss daher, meine Körperlichkeit und die spirituelle Dimension der Arbeit zu bewahren. Die genannten Einschränkungen ließen mich nämlich spüren, dass der Beitrag meiner physischen, „nicht-künstlichen“ Intelligenz zum Klang und letztendlichen Ergebnis der Musik genauso wichtig war wie das Lernen der Maschine.

Um das besser zu verstehen, dachte ich an einen potenziellen Nutzer der Musik, die ich für ... machte. MubertIch dachte an jemanden, der schreibt, vielleicht auch rappt und diese Loops zum Üben nutzt. Oder an ein Liebespaar. Jemand, der mit seinem Hund spazieren geht. Solche Dinge verleihen dem Ergebnis eine viel stimmigere Wirkung als Zahlen und Tonsysteme. Die rituelle Mathematik des Alltags.

In gewisser Weise fungiert KI als Kurator, indem sie verschiedene Samples nach eigenem Ermessen zusammenstellt und mischt. Dadurch entsteht eine Kollaboration ohne die direkte Beteiligung der Urheber der einzelnen Tracks. Wie werden Musiker Ihrer Meinung nach in Zukunft online zusammenarbeiten? Wie kann KI zu diesen Kollaborationen beitragen?

Für meine Arbeit und meinen Prozess wäre eine Art zweite Intelligenz, die sich mit einigen Problemen auseinandersetzt, definitiv hilfreich. Ich bin überzeugt, dass menschliches Eingreifen, die Arbeit des menschlichen Geistes, auch weiterhin entscheidend für das Ergebnis generativer Musik sein wird. Ich denke über die unzähligen Möglichkeiten nach und bin absolut fasziniert. Ich stelle mir die Möglichkeiten der Zusammenarbeit und die völlige Überwindung jeglicher Grenzen vor.

Andererseits mag dies aus vielerlei Gründen nicht pragmatisch sein. Mir persönlich ist dieser Gestaltungsprozess nicht fremd. Ich habe bereits an zahlreichen Kooperationen mitgewirkt, alle ohne physische Präsenz. Der gemeinsame Kommunikationsraum und die physische Verbindung werden an anderer Stelle geschaffen.

Im musikalischen Raum verflechten sich verschiedene Subjektivitäten. Diese Subjektivitäten teilen eine gemeinsame, verstreute Erfahrung; sie sind gewissermaßen auf ein gemeinsames Ziel ausgerichtet. Das erinnert mich an die Funktionsweise eines Algorithmus, der verstreute Elemente zu einem neuen Ganzen zusammenfügt. Ich halte den Beitrag von KI bereits für selbstverständlich, da wir alle DAWs zum Erstellen, Aufnehmen, Produzieren und Mastern unserer Musik verwenden.

Ist der Hörer ein Mitgestalter, wenn er die Kompositionen lediglich nach seinen Vorlieben verändert? Sollte die Plattform mehr Instrumente bereitstellen, damit das Publikum mit Ideen experimentieren und sie verändern kann? Wie könnten diese Werkzeuge aussehen?

Ich denke, dass eine Software, die so stark auf Stimmungen eingeht wie diese, zwangsläufig auch die kreativen Möglichkeiten des Hörers berücksichtigt. Tempo- und Tonhöhenregler wären definitiv toll. Auch grundlegende Effektfunktionen wären wünschenswert.

Welche anderen Instrumente könnten generell entwickelt werden, um die Barriere zwischen Künstler und Publikum abzubauen? Sollte diese Barriere überhaupt abgebaut werden? Auf welche Weise möchten Sie persönlich mit Ihren Hörern auf der Plattform in Kontakt treten?

Viele Jahre bevor ich gebeten wurde, einen Beitrag zu leisten MubertIch hatte da diese Idee für ein „Klangdeo“. Ein Musikstück, das sich ständig weiterentwickelt und fortwährend ist, zu dem jeder beitragen kann und das man in Geschäftsräumen ähnlich wie einen Parfümspender einsetzen könnte. Vielleicht wäre es eine gute Idee, so etwas mit ein paar Nutzern zu starten, die das interessant finden würden! Ich verstehe die Barriere, von der du sprichst, nicht. Ich höre genauso viel zu wie jeder andere, der zu meinem Konzert kommt oder meine Platten kauft. Wir als Künstler müssen uns nur daran erinnern, dass wir es immer auch für mindestens einen Menschen tun.